Är ackordskaleteori en ohjälpsam utgångspunkt för spelare?
On februari 15, 2021 by adminTycker andra här att ackordskalateorin är skadlig för många gitarrspelare som lär sig jazz? Jag tillbringade lång tid på att lära mig alla mina skalor och arpeggier men jag kunde aldrig få tag på att spela över komplexa framsteg och flytta till en ny skala för varje ackord. Uppriktigt sagt lät det inte musikaliskt och de begränsade resultaten avskräckt mig från att fortsätta den här vägen.
Jag tog mig sedan till att analysera ackordfunktionen och fokusera på att ”spela tangenten”, spela efter örat och tvinga mig själv att ”känna ”vart låten gick och vilka anteckningar jag skulle spela. Medan jag fortfarande är en nybörjare för jazz så öppnade det helt upp för mig och det är faktiskt roligt att spela igen!
Medan jag är långt långt långt ifrån ett stort som Grant Green, nu när jag spelar så här känner jag att mina linjer låter mycket mer som han spelar än många handledare på Youtube jag har hört som fokuserar på CST där det inte finns ”verkar inte vara någon blues för ljudet. Jag säger inte att inlärningsskalor (även om arpeggier var mer användbara) var ett slöseri med tid för mig eftersom jag känner tonerna för varje ackord, men så snart jag ”glömde” allt spelade jag bättre.
I ”Jag säger inte att de har fel men jag önskar att jag fick höra följande när jag först började.
1) lära sig melodin 2) spela efter örat 3) fokusera på att spela melodier över en progression, vissa kommer arbeta lite vanligt men du kommer ihåg de som gör 4) var inte rädd för att spela ”undvik” anteckningar, ta en chans 5) lär dig inte massor av olika skalnamn, titta bara på vilka toner som förändras när du spelar 5 ) Harmonin gör det mesta av arbetet, du kan spela något super enkelt och en vacker progression gör att det låter en miljon dollar!
Några tankar från andra spelare, erfarna eller nybörjare?
Kommentarer
- Kan du ge några exempel på hur du brukade spela skalor över ackord i ackordskalssystemet?
- @piiperi Återställ Monica Jag brukade bara tänka att spela lägen över varje ackord förändras så Dorian II ackord, mixolydian över V ackord, vilket är bra men lät mekaniskt
- Huh, 5 svar senare och inte en enda av dem argumenterar för att ackordskalateori är en bra start punkt …
- @Babaluma vad gör du när du ” spelar ett läge ”? Slumpmässiga anteckningar från skalan? Jag tror att varje idé som får dig att spela slumpmässiga toner från en skala måste vara fel eller ett missförstånd. 🙂 Även i modal jazz spelar de ackord, det ’ är bara att de spelar ackord i ett läge , så att den harmoniska känslan av läget är behålls.
- Det här är inte något som verkligen kommer att få ett svar. Allt du ’ kommer att få är åsikter och värderingsbedömningar.
Svar
Sätt mig i kategorin” nybörjare ”.
Gör andra här att ackordskalateorin är skadlig för många gitarrspelare som lär sig jazz?
Min åsikt: JA.
Inte bara gitarr, piano också. Förmodligen det enda stället det inte är skadligt är med trummisar 🙂
Om du hittar din jazzstandard hos människor som Charlie Christian, Charlie Parker, Thelonious Monk, Horace Silver, etc. använde de inte ackordskalssystemet. Det uppfanns på 1970-talet. Enligt vad jag förstår var det den valda metoden när jazz gick in i akademin.
Enligt min egen erfarenhet anser jag att det är skadligt . A enormt slöseri med tid! Jag kunde inte ta reda på varför försök att improvisera grundläggande riff från skalan bara lät inte som jazz. Då när jag tittade på solo-transkriptioner från Charlie Christian blev det mycket uppenbart vad problemet var: han improviserade från trasiga ackord och deras utsmyckning. Jag märkte detsamma i transkript från Charlie Parker.
Om du fyller i ett sjunde ackord med alla passande toner får du naturligtvis något som ser ut som en skala. Så att spela från ackordtoner utesluter inte linjär, stegvis spelning.
Du kan komma in i en kyckling eller äggläget med ackord kontra skaltänkande. Fyllda ackord gör skalor. Skalor i tredjedelar gör ackord. Men IMO det här är inte utbytbara idéer. Att förstå ackord är att förstå harmoni. Tänk på att jazz ofta skrivs med blyarkordssymboler. Du får något som Bb7
och ackordskalssystem säger play B
platt Mixolydian. Om du bara vet skalan, känner du inte ackordtonerna, du vet inte den harmoniska betydelsen, så undvik tonen koncept läggs till i systemet Det verkar som ett besvärligt system som hoppas kunna undvika att lära sig traditionell harmoni.
Problemet för nybörjare som jag är ingen av ackordskalans systemmetoder (ingen jag har sett) föregår metoden med en förklaring att ingen av de stora jazzinnovatörerna i jazzens utveckling spelade detta sätt .
Undantaget är modal jazz . Det är tydligt varför den stilen, där den övergav standardackordprogressioner, riktade uppmärksamheten på skalan. När du spelar 8 eller 16 staplar i ett enda ackord är det helt uppenbart att du inte fokuserar på ackordtoner och tar ett annat tillvägagångssätt, en skalbaserad strategi.
Blues bases saker verkar också annorlunda. När progressionen är någon form av grundläggande jazzy blues fungerar det bara bra att använda en blues ”skala”. Det verkar som om du kan blanda trasigt ackord och bluesskala saker mycket snyggt.
Kommentarer
- Jag har inte ’ t hade någon formell musikutbildning, och det här ackordskaligt låter som enormt nonsens. Fick jag rätt, i ackordskalasystemet behandlas varje ackord i en sång som en separat modal jazzvamp? Nytt ackord, nytt läge, upprepa för varje ackordbyte?
- @piiperiReinstateMonica Tro det eller inte, ja! iim7 V7 I6 kan presenteras som Dorian, Mixolydian, Ionian … utan att nämna att det är helt diatoniskt till en tonic.
- Jag vet inte ’ vet inte vad jag ska säga. Jag tror att ett sådant tänkande förvirrar till och med hela idén om vilka lägen som är i första hand. Jag trodde att ” se iim7 – > tycker att Dorian ” var ett verktyg för vissa gitarristar att styra fingrarna till mer praktiska positioner på greppbrädan … men om det ’ lärs ut till pianister som har en fullständig karta över allt framför dem? Det ’ är verkligen svårt att tro på den här saken. Jag menar … I jazzskolor börjar du inte ’ t nödvändigtvis med att spela vanliga låtar med god gammal funktionell harmoni och sedan börja jazza upp den, vrida harmonin på intressanta sätt?
- Jag tog en teorikurs på college. Att ’ är omfattningen av min formella skolgång. Jag vet inte ’ vad de faktiskt gör i jazzklasser. Jag kan säga att ackord / skala-system är genomgripande i jazzböckerna och lektionerna jag har sett.
- Det är användbart när det gäller att tänka på hur man rör sig om greppbrädan och jag kommer att säga att borrning i en pool av noter är bra som en disciplin men du måste sedan glömma allt!
Svar
Tillvägagångssättet för att matcha en skala till ett ackord är användbart men bör aldrig vara huvudfokus för att förstå förändringar. Det motsatta eller omvända tillvägagångssättet är att se hur ackord passar in i en enda skala. Till exempel finns det 7 sjunde ackord som bygger på huvudskalan och dessa kan användas för att skapa ”cirkelprogression”,
I -> IV -> vii -> iii – > vi -> ii -> V -> I
Arpeggioerna och ackorden passar alla i en skala, så varför följa varje ackord runt?
Vi modulerar ofta till andra dur och mindre tangenter i en progression och ange detta harmoniskt infogar vi en bit av ovanstående progression som leder till V7 för den nya nyckeln. Om du till exempel vill modulera från I till IV är allt du behöver göra att spela en dominerande 7: e på I, dvs I -> I7 -> IV. En annan, modulera till den relativa minoren genom att spela en V7 på iii-ackordet. Dessa introducerar uppenbarligen nya oavsiktliga och avviker från den ursprungliga nyckeln, men de har ett syfte och om du kan förstå att du kan identifiera hela sekvenser av ackord som i en nyckel. Istället för att jaga ner ackorden kan du helt enkelt hålla dig i en skala och använda ditt öra för att leda dig genom förändringarna.
Det finns mycket mer med musik än skalor. En melodi har en känsla som du påpekar. Det beror lika mycket på rytm och frasering som på valet av toner. Enligt min åsikt är ett tillvägagångssätt som är värt att ta sig in att lära sig några låtar och andra gitarrister solo efter örat (om möjligt) eller använda transkriptioner och dissekera dem. Du kommer att se några vanliga mönster och om du känner till någon musikteori kan du använda den. Fråga dig själv hur denna slick följer skala-ackordmetoden (det troligen inte). Enligt min erfarenhet avviker melodier inte så mycket som ackorden verkar. Ackord stöder melodi inte tvärtom. Du kan också experimentera med alternativ ackordprogressioner för en viss melodi, något enklare än vad som står i den riktiga boken. Jazz kan verka mer komplex än rock till exempel men det finns några grundläggande mallar som är överanvända. Precis som I IV V finns det ii VI ( och ii är en ersättning för IV). Vi brukar använda förändrade ackord för att skapa fler ledande toner i ackordrörelser men allt är fortfarande bara västerländsk musikteori på spel.
Melodin berättar historien och man närmar sig den för att låna rader från melodin och göra dem till slicka, flytta dem runt progressionen.Du bör definitivt inte undvika att undvika anteckningar. Du måste bara lösa dem, gå igenom dem. Eller tvinga ”ut” -harmonin. Du kan verkligen spela vad som helst under en progression så länge det finns viss koherens och mönster som upprepas i fraser och rytmer.
Jerry Cokers bok förespråkar att hålla en bok med slickar och fraser som du skriver, säg 3 till 5 fraser om dagen. De kan med enkla 2 eller 3 notera upprepade fraser. Då rekommenderar han att du använder bara ett par av dessa över en uppsättning förändringar för att höra hur (eller om) de passar ihop.
Jag skulle säga lära dig mer om klassisk harmoniteori för att förstå ackordprogressioner och deras relation till melodi. Håll en bok med slickar. Transkribera efter örat och dissekera det du hör när du letar efter upprepade mönster. Fortsätt experimentera och behåll vad som fungerar, släpp vad som inte gör det. Missa inte teorin för hårda och snabba regler som alltid leder till framgång (eller misslyckande om de ignoreras).
Kommentarer
- Åtminstone IMO, jag ’ vill hellre ändra skalan när ackord som I7 ( V7 / IV) och V7 / iii används (och byter tillbaka när dessa ackord slutar användas). Att insistera på basstorlek och ignorera de oavsiktliga i ackordet i sig låter som ett bra sätt att införa klumpig dissonans för mig.
- 1. Om I7 flyttar till IV är det bara att byta nyckel till IV för båda. Med andra ord matchar nyckeländringar inte ackord. Det ’ är vad jag ’ föreslår. 2. Dissonans är vad det är, det blir bara klumpigt om du inte ’ inte använder ditt öra. Ta till exempel blues. En enkel 6-tonskala införd över 3 ackord. Inte matchar någon av dem exakt än det fungerar.
- För V7 / IV till IV låter skalan som motsvarar IV bra för båda, men jag ’ d vara mycket mer villiga att acceptera skalan som motsvarar I över IV-ackordet än över V7 / IV-ackordet. Att spela exklusivt den ledande tonen istället för den platta subtoniska över V7 / IV-ackordet (oavsett andra toner som spelas) låter som ett recept för att spela i bästa fall ute och i värsta fall en dissonant kollision.
- Nu det verkar som om du motsäger dig själv och bildar en kommentar till den andra. Jag antar att jag ’ är förvirrad. Mina poäng är helt enkelt att (1) du kan analysera hela bitar snarare än enstaka ackord och (2) att du verkligen kan spela vad som helst om du leder med örat.
- I ’ motsätter mig främst ditt uttalande att ” I stället för att jaga ackorden ner kan du helt enkelt stanna kvar på en skala ”. Med I7- och V7 / iii-exemplen du gav, är jag ’ starkt av den uppfattningen att antingen din skala måste inkludera alla ackordtoner för både de främmande ackorden och basskalan för I eller så måste du ändra skalor vid de främmande ackorden.
Svar
Det är roligt hur denna fråga resonerar med mig, och hur det gäller blues, inte bara jazz. Jag har kämpat för att improvisera över en 12-bar blues-progression i flera år, och först nyligen har jag börjat bryta igenom.
Liksom du, tycker jag att det finns mycket ineffektiv undervisning.
Jag fick först besked om att använda ”blues-skalan” (mindre pentatonisk med extra b5), och jag slog mycket fel anteckningar.
Sedan fick jag veta att jag skulle använda ackordtoner (eller arpeggios) och solon började spegla den underliggande harmonin, men jag tyckte att de inte sa någonting (dvs: de lade inte mycket till harmonin).
Sedan fick jag höra att använda motsvarande mixolydian-skala att gå till varje ackord (dvs. A myxolydian över A7-ackordet, E myxolydian över E7, etc.). Jag antar att det här är vad du kallar ”ackordskaleteorin”. Jag började få ett mer varierat ljud, men ändå inte tillräckligt bluesigt.
För mig är blues solo bara vettigt när du blandar följande:
- mindre blues skala
- ackordtoner / arpeggios
- major pentatonisk (endast för majorblues)
- ackordskalateori
- böjningar (väsentligt!)
- vibratos, hammer-ons och pull-offs
- ett bibliotek slickar: ta reda på hur de låter som och försök hitta rätt ögonblick för att spela dem (som @ggcg föreslog ovan)
- ett bibliotek med vändningar att använda på 11 och 12 staplarna
Så jag tycker att ackordskalateorin är användbar som ett byggsten, men i sig inte tillräckligt för att göra ett bra solo. Jag tycker att skalor / arpeggios är mycket användbara när jag vill göra en snabb körning av två oktaver för att lägga till mer spänning.
Kommentarer
- Använder du mindre bluesskala för mindre och större blues? Jag skulle ha trott att dess mindre blues skala för mindre blues och major blues skala för major blues. Eller kan du använda båda skalorna på båda bluesna?Eftersom båda bara är motsvarande pentatoniska skalor med en extra anteckning, skulle även mindre pentatoniska gälla för mindre blues (och major pentatoniska för stora blues, men du har redan nämnt det)
- Jag använder den mindre bluesskalan för båda! Egentligen kommer en del av ’ bluesy ’ att använda både mindre och stora tredjedelar. En vanlig slick när du spelar major-blues inkluderar att spela minor-tredjedelen och sedan hamra på major-tredjedelen. Det berömda ’ Hendrix-ackordet ’, som inkluderar både major och mindre tredjedel (den senare är i den högre oktaven). På en stor blues verkar både moll och dur pentatoniska fungera. När jag spelar mindre blues undviker jag major pentatoniska.
- @Olli – missuppfattning! Över * dur (eller snarare 7: e) ’ ackord, mindre blues fungerar bra. Liksom stora blues! Annat är vanligtvis katastrofalt!
- @mkorman – skäm dig !! Att ’ Hendrix ’ ackord har en M3 och en # 9 ..!
- @Tim – Jag tror att vi ’ att komma in i semantik. Vad ’ är skillnaden mellan en # 9 och en ” mindre tredjedel på den högre oktaven ”? Jag tror att vi kanske använder olika ord för att betyda samma sak?
Svar
I stället för fullständiga skalor, ackordtoner är viktigare, så det är ungefär hälften av skalorna!
Att läsa några idéer – ”Det är i tangent C, så C joniska för det, Dm-stång använder D Dorian, G-stång använder G Mixolydian etc har ingen mening för mig. Det är alla som använder samma uppsättning med 7 toner, allt som ändras är roten. Vilket är ganska uppenbart från ackordets namn i stapeln.
Om det ”är en mer sofistikerad Bm7 ♭ 5, då spelar man över ackordet även om det ”är ett Bm7-ackord, kommer det i allmänhet att bli mer musikaliskt att spela F ♮ än att spela F ♯. Men det är en ton – från det ackordet – inte en fullständig skala. Och vem spelar jazz genom att springa upp och ner i vissa skalor i varje stapel? Det är kanske inte musik?
Kommentarer
- Överens, du börjar höra musiknoten genom att spela och lyssna. Du hör snart hur man spelar mer sofistikerade toner.
Svar
Om ackordskalateorin leder dig till att välja ett läge för varje ackordförändring och spela slumpmässiga toner från skalans läge, utan att tänka på vad de spelade tonerna gör när det gäller ackordharmoni kring en tonic, då är teorin skadlig för dig. är inte slumpmässigt. Harmony är inte slumpmässigt. Om du spelar slumpmässiga toner får du slumpmässig harmoni, och jag skulle säga att det inte ens är musik, det är kaos. Det finns mycket oförutsägbarhet och slumpmässighet i improvisationen, men det måste tämjas och kontrolleras av känslighet och smak.
Varje melodi beskriver en uppsättning möjliga harmoniska förändringar, melodier lever inte som en separat enhet i sin eget universum. På samma sätt stöder varje harmonisk progression några melodiska möjligheter. Om du solo melodiska toner stöder och stärker allt du spelar antingen (a) befintliga harmoniska idéer, (b) justerar harmonin på något sätt, ger den en annan karaktär, eller (c) håller inte med och kämpar mot harmonin genom att skapa oförenliga orelaterade harmoniska idéer. Melodi och harmoni går hand i hand, varje melodi skisserar några harmoniska känslor, även om det är en ensamröst. Enligt min mening kan du inte improvisera bra melodilinjer, om du inte kan improvisera ackordprogressioner. Om du gjorde en bra melodi, samtidigt gjorde du också ingredienserna för harmoniska framsteg, oavsett om du vet det eller inte.
Kommentarer
- Jag tror mer än någonting är det den styva idén att bara spela ett läge för det här ackordet och ett annat för det här, jag säger inte att det här inte är en bra initial utgångspunkt utan för någon som är självlärd och använder böcker eller internetresurser utan en guide utan en nyanserad förklaring att detta bara är en startguide tror jag att det kan avskräcka människor
- som inte kan ’ t koppla underbara flytande linjer på skivor med de mekaniska linjerna som nybörjaren känner att de spelar med CST. Jag minns att jag läste en webbplats som gjorde en imp agera genom att avvisa CST: s raka jacka och säga varför tänka på F dur som bara att vara ansluten till Fmaj7-ackordet? Varför inte prova på G-7, Csus, Bbmaj # 711? Det påverkade omedelbart att börja utanför lådan. Detta är uppenbart för en bra spelare som kanske har en lärare men inte mig 🙂
- @Babaluma Jag tror att min poäng är att du inte ” spelar ett läge ”. Du kan spela i ett läge , men du spelar inte ’ för att spela läget.Du spelar toner och ackord. Du kan skapa ljud från alla lägen med bara de vita tangenterna på pianot. Vilket läge det låter beror på vilka toner och ackord du spelar och när. Det är fullt möjligt att försöka skapa en dorisk känsla, men misslyckas med att göra det, eftersom du spelade fel toner och ackord från skalan vid fel tidpunkt. Till exempel på en ii-V-I-progression, om du hävdar att du kan skapa en dorisk känsla på ii-ackordet … tror jag inte ’ att du kan göra det. 🙂
- Helt enig tack för att du summerade det så bra!
Svar
Jag tyckte inte att ackordskalan var till hjälp, där varje ackord använder olika skalor.
Jag lärde mig mer om improvisation genom att lyssna på massor av jazz än genom att matcha mina lägen och ackord. I många jazzlåtar håller ackorden inte mycket längre än två slag (kanske ett mått.) Det är inte tillräckligt med tid för att skapa en specifik färg från varje skala. Dessutom använder alla diatoniska ackord i stycket i slutändan samma uppsättning spelar det någon roll vilket tonläge för varje ackord börjar och slutar när man improviserar?
Det är viktigt att känna till tonerna för varje ackord eftersom ackordtonerna är ankare och noterna som används för upplösning. Vilken ton som helst kan spelas om den löses bra.
Det beror också på din stil. Vissa jazzartister är kända för att ha solon som stannar i de övre ändarna av utökade ackord och i allmänhet är dissonanta.
Lämna ett svar